Las 5 Obras que No hay que perderse del Louvre

El Museo del Louvre es uno de los museos más visitados del mundo.

A Enrique IV, se le atribuye la frase “París vale la pena una misa”. Pero probablemente también mucho más que una misa: sus monumentos que se pueden visitar en más o menos días, y su encanto transmitido por canciones, películas y libros.

Entre otras cosas, en París encontramos algunos de sus numerosos e importantes museos, desde el Louvre hasta el museo de Orsay, pasando por el Centro Georges Pompidou, fruto de una tradición artística que ha hecho de París la capital mundial del arte durante al menos un siglo, desde mediados del siglo XIX hasta mediados del siglo XX, pero también de una fuerza política que, desde el Renacimiento hasta Napoleón, ha permitido a la nación importar las obras de los grandes artistas de media Europa (y también de muchos españoles).

Pero, ¿cuáles son las cinco obras que no te puedes perder en el Louvre, las que nadie puede perderse?

1.-El retrato más famoso de la historia del arte, firmado por Leonardo da Vinci: La Gioconda

Comencemos con la elección más obvia y banal, pero inevitable: la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, sin duda el retrato más famoso de la historia del arte y, más en general, quizás la pintura simbólica de toda la pintura mundial.

Visitada por miles de personas todos los días, hasta el punto de que la cola para admirarla puede ser agotadora, la Mona Lisa es recibida por el Louvre desde los tiempos de la Revolución Francesa, llevada allí después de haber sido arrebatada a la realeza: en contra de la creencia popular, de hecho, la pintura no era una de las traídas a Francia por Napoleón Bonaparte, sino que ya hacía mucho tiempo, traída por el propio Leonardo, que la vendió personalmente al rey Francisco I.

Aunque se han planteado las hipótesis más dispares sobre la mujer representada y el paisaje detrás de ella, probablemente la Mona Lisa es el título dado, trivialmente, a Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, miembro de una noble familia florentina que vivió justo al lado de Leonardo durante su tercera estancia en Florencia, las noticias de la pintura son de hecho de principios del siglo XVI, aunque el artista retocó varias veces la obra, añadiendo detalles y quitando otros, como también se ha mostrado en varios análisis de rayos X.

Famosa, en particular, es la enigmática sonrisa de la mujer, sobre la que se han escrito miles de páginas y que tanto ha contribuido al encanto de la pintura, un encanto capaz de influir en decenas de artistas (que, como Duchamp, le han parodiado o, como Warhol y Banksy, han actualizado) sino también para perturbar la mente de los mitómanos, que a lo largo de los años han tratado repetidamente de destruir la obra lanzándola contra el ácido, las piedras, las tazas de café y más (no por casualidad, hoy en día la obra está protegida por un cristal a prueba de balas).

Finalmente, una curiosidad: en 1911 la obra desapareció repentinamente del museo, fue robada y luego fue descubierta por un asistente italiano que tenía la intención de traerla de vuelta a casa, ya que creía, erróneamente, que había sido robada por Napoleón, y la conservó durante dos años en su casa, hasta que se puso en contacto con un anticuario florentino, que denunció el incidente; el hombre, un tal Vincenzo Peruggia, fue condenado a una pena bastante leve, pero al principio tanto Guillaume Apollinaire como Pablo Picasso habían sido sospechosos por la policía francesa, el primero porque había sido calumniado por su amante, el segundo porque se imaginaba que el robo podría ser una provocación de las diversas vanguardias de principios del siglo XX.

2.- La estatua sin brazos de Alejandro de Antioquía: La Venus de Milo

Pasemos de la pintura a la escultura con dos obras que tienen un valor fundamental para entender el estilo y las habilidades artísticas de los antiguos.

La primera es la Venus de Milo, una famosa estatua que se conserva en el Louvre desde 1821: encontrado el año anterior en la isla griega de Milos por un campesino, fue confiscado por las autoridades otomanas que dominaban Grecia en ese momento y traído a Francia sólo por la intercesión del embajador francés en el Imperio y los fondos garantizados por un oficial de la marina transalpina, Olivier Voutier, que había reconocido la valiosa mano de obra;

Es aquí donde se produjo en el momento de la Restauración, cuando Luis XVIII había sido restaurado a su trono y Francia, en cierto modo, seguía “pagando el precio” de las empresas de Napoleón; no es casualidad que el Louvre acabara de perder la Venus de los Médicis, otra estatua griega que Napoleón había robado, en cierto modo, de la ciudad de Florencia y que Francia tenía que devolver.

Probablemente también por esta razón la llegada de Venus de Milo fue exaltada por la prensa francesa, muy interesada en olvidar la obra maestra perdida y sustituirla, en el corazón de los franceses, por la nueva obra, que sin duda podría rivalizar con la italiana en belleza e impacto visual.

Atribuida a Alejandro de Antioquía, cuya estatua de Alejandro Magno también se conserva en el Louvre, y datada alrededor del año 130 a.C, la estatua carece de los dos brazos, lo que en lugar de disminuir su valor ha alimentado en cierto modo el mito, haciéndolo aún más fácilmente reconocible (basta pensar, por ejemplo, en la cita que hace de Bernardo Bertolucci en The Dreamers, en la que la actriz Eva Green aparece, en una escena, desnuda de la cintura para arriba en la pose de la estatua, con guantes negros – sobre un fondo igualmente negro – para enmascarar los brazos).

Probablemente la pose de la obra fue la de Afrodita, que entregó la manzana de oro a París, dado que milos significa manzana y que cerca de los dos troncos de la estatua se encontró una mano con una manzana, pero había muchas hipótesis de posibles reconstrucciones que se han adelantado a lo largo de los años, a veces muy imaginativas.

3.-La Vitoria Alada de Samocracia

vitoria alada samocraciaConcluimos nuestro breve paseo escultórico – recordando que en el Louvre también se conserva el Amor y la Psique de Canova – con otra estatua griega del periodo helenístico, la Nike de Samotracia, que deja una buena impresión en la parte superior de la escalera diseñada por Lefuel.

Retornada a su lugar hace unas semanas después de un año de restauraciones financiadas íntegramente por particulares (el primer caso de este tipo en Francia, gracias a las subvenciones del Bank of America, Nippon TV y otros, además de las de casi 7.000 donantes individuales), la estatua se remonta al año 180 a.C. aproximadamente. y es quizás obra de Pitocrito, tallado en Rodas para celebrar una afirmación militar -Nike fue de hecho la diosa de la victoria– obtenida por la ciudad sobre la flota fenicia durante la batalla de Side, aunque quizás podría ser una copia de una estatua aún más antigua, ya que la misma postura se encuentra retratada en ánforas, monedas y otros documentos.

Encontrada en 1863 en Samotracia, una isla del Egeo que entonces era una posesión otomana, en el estado en que se encuentra actualmente, es decir, sin cabeza ni brazos (aunque casi un siglo más tarde se encontró una mano), atrajo inmediatamente la atención del cónsul francés Charles Champoiseau, que consiguió que la enviaran a Francia el mismo año; restaurado y reensamblado, fue finalmente colocada en el Louvre en 1884, en la posición que sigue ocupando hoy en día, posición de la que no se ha movido excepto para las restauraciones y, durante la Segunda Guerra Mundial, para ser puesta en seguridad.

Considerada unánimemente como una de las mayores obras maestras de la escultura antigua, es particularmente apreciable por su postura, que parece chocar con el viento y en la que la tapicería de las prendas, muy refinada y elaborada, parece incluso anticipar un estilo casi barroco.

Probablemente fue construido originalmente para ser colocado en la proa de un gran barco en la colina frente al Santuario del Cabri en Samotracia, y la cortina se usaba para indicar que la estatua cortaba el aire mientras conducía al barco a la victoria, y también, gracias al fragmento de la mano encontrada, se asumió que la estatua estaba extendida en una especie de saludo.

Otro famoso emblema del clasicismo, también fue mencionado en este sentido por Filippo Tommaso Marinetti en su Manifiesto del Futurismo, cuando afirmó que para el nuevo movimiento una carrera de coches era más bella que la Nike de Samotracia.

4.-El Código Hammurabi: La uniformidad de las leyes en la antigua Babilonia

De interés más puramente histórico y arqueológico es el Código Hammurabi, encontrado entre 1901 y 1902 por el arqueólogo francés Jacques de Morgan en las ruinas de Susa, la antigua capital del reino de Elam, ahora en Irán, y rápidamente traído a Francia.

La importancia de la obra, que se estudia en cada libro de historia, es fundamental para comprender la evolución del derecho en las sociedades antiguas y las leyes que gobernaban la vida civil de la época, si bien, de hecho, existen muchos códigos antiguos que muestran las leyes, costumbres y hábitos de diversas poblaciones, éste es claramente el más sustancial, capaz de abarcar todas las áreas de la vida social y, por lo tanto, bastante amplio de una civilización y sus leyes.

La estela de basalto, de más de dos metros de altura, presenta al soberano de Babilonia, Hammurabi, en la parte superior, rindiendo homenaje al dios Shamash, divinidad de la justicia, que a cambio le da las leyes; justo debajo, en caracteres cuneiformes, comienza la lista, marcada por un uso generalizado de la llamada Ley del Talión según la cual cualquier daño debe ser reembolsado con la misma pena: bajo la bandera de “ojo por ojo, diente por diente“, de hecho, el asesinato fue castigado con la pena capital, pero incluso el asesinato de un hombre cuyo padre aún estaba vivo fue castigado con el asesinato del hijo del asesino, tampoco había ninguna disposición para el homicidio involuntario, por lo que se afirma explícitamente que el arquitecto que había construido una casa que luego se derrumbó sobre sus habitantes, matándolos, sería castigado con la muerte.

Es interesante, por último, el hecho de que la estela conservada en el Louvre no es única, sino que incluso en el mismo lugar de Susa -donde probablemente había llegado como botín de guerra- se encontró una copia, un signo de que probablemente el código había sido producido en cierto sentido en serie y que, por lo tanto, estaba disponible en varios lugares para la población, la cual podía entonces -por supuesto, si supiera leerlo- consultar la ley y disponer de un punto de referencia estable y seguro para el comportamiento y el crimen, libre, por lo tanto, de los deseos y estados de ánimo de los soberanos.

No es de extrañar, pues, que en el Pergamonmuseum de Berlín (Museo de Pérgamo) se conserve una copia menos conocida de la misma estela, aunque es indudablemente francesa, tanto por el honor del descubrimiento del hallazgo como por su primer descubrimiento por parte de Jean-Vincent Scheil (en realidad, un erudito nacido en la frontera entre Francia y Alemania, en Lorena), ya en 1904.

5.- La Virgen de las Rocas: obra maestra entre las pinturas de Leonardo da Vinci

Para el último punto de los cinco, podríamos haber escogido varias obras, porque el Louvre es tan vasto y lleno de maravillas que, una vez agotadas las piezas fundamentales, es difícil limitarse a una sola cosa. Pero al final, incluso para dar cabida a obras de las que nunca hemos hablado, optamos por La Virgen de las Rocas de Leonardo, otra de sus grandes obras maestras.

El cuadro fue probablemente realizado unos veinte años antes que la Mona Lisa, entre 1483 y 1486; cuando llegó a Milán, Leonardo obtuvo el encargo de una cofradía religiosa de pintar un retablo junto a sus hermanos Evangelista y Giovanni Ambrogio De Predis: mientras que el primero debía pintar las dos partes exteriores de un tríptico, Leonardo debía pintar la parte central, cuyo tema, como dice el contrato, se había establecido de una manera muy precisa pero también convencional.

Sin embargo, el artista realizó, quizás, su creación más original, que es la pintura que se encuentra actualmente en el Louvre en la que, inspirada en algunos evangelios apócrifos y textos devocionales, narra el encuentro entre Jesús y Juan el Bautista cuando eran niños.

Más allá de la perfecta ejecución del tema, lo sorprendente es la disposición de la escena, muy innovadora para la época: el retablo está construido siguiendo varias líneas de fuerza en las que un peso central tiene los brazos de la Virgen, que acoge al pequeño Juan y pone una mano casi amenazante sobre Jesús, y sobre todo el dedo del ángel, que indica al Bautista de una manera nunca antes vista e incluso vuelve su mirada hacia el espectador, involucrándolo en la escena.

El destino de la pintura fue muy turbulento: Leonardo y sus colegas pidieron a los clientes un ajuste de la compensación porque, según ellos, el tema había cambiado y se había vuelto más complejo; de esta manera, sin embargo, la causa duró años y Leonardo pudo hacer otra versión de la misma pintura, más convencional (faltando el dedo del ángel y la mirada hacia el público) y pintada en colores más fríos que ahora se conserva en la National Gallery de Londres.

Al final la obra llegó a Francia, no se sabe si gracias a las incursiones de Luis XII -que conquistó Milán en 1499- o a un regalo que el duque Luis el Moro había hecho a Maximiliano de Habsburgo con motivo de su boda, un regalo entonces “reciclado” por el austriaco contra la boda de Francisco I, rey de Francia; sin embargo, las cosas fueron así, la pintura estaba ciertamente en posesión de la corona francesa en el siglo XVII y fue trasladada al Louvre durante el siglo XIX.

Deja un comentario